Jak wzrost Bebop zmienił jazz

Bebop to styl jazzu, który rozwijał się w latach 40. XX wieku i charakteryzuje się improwizacją, szybkimi tempami, rytmiczną nieprzewidywalnością i złożonością harmoniczną.

II wojna światowa zakończyła się w świetności huśtawki i zobaczyła początki Bebopa. Duże zespoły zaczęły się skurczyć, gdy muzycy zostali wysłani za granicą do walki. Z tego powodu w latach 40. XX wieku wzbudzono gwałtowny wzrost w mniejszych zespołach, takich jak kwartety i kwintety. Grupy często składały się z jednego lub dwóch rogów-zwykle saksofonu i/lub trąbki, bębnów i fortepianu. Z natury bycia w mniejszym zespole BEBOP przeniósł koncentrację muzyczną z zawiłych układów pasmowych na improwizację i interakcję.

Przygodowa improwizacja

Uzgodnienia z ery huśtawki składały się głównie ze skomponowanych sekcji, ale z niektórymi sekcjami oznaczonymi do improwizacji. Jednak melodia Bebop po prostu składałaby się z oświadczenia głowy lub głównego tematu, rozszerzonych solówek nad strukturą harmoniczną głowy, a następnie jedno ostateczne stwierdzenie głowy. Muzycy Bebop często komponują nowe, złożone melodie nad dobrze znanymi postępami akordów. Jednym z przykładów tego jest „Ornithology” Charliego Parkera, oparta na zmianach „How the High the Moon”, popularnej melodii pokazowej w latach 40. XX wieku.

Poza huśtawką

Koncentrując się na improwizacji, BEBOP pozwolił na eksplozję innowacji. Podczas gdy wiele aspektów huśtawki zostało importowanych, takich jak huśtawka na bazie tripleta i skłonność do bluesa, muzycy Bebop odtwarzają melodie w znacznie szybszych tempach. Zainspirowani bardziej harmonicznie i rytmicznie eksperymentalnymi graczami z epoki Swing Coleman Hawkins, Lester Young, Art Tatum i Roy Eldridge-Bebop muzycy rozszerzyli paletę urządzeń muzycznych. Solistowie nie dotyczyli już liryzmu i podkreślali rytmiczną nieprzewidywalność i złożoność harmoniczną.

I to nie tylko solistowie byli ważni. Pojawienie się Bebop oznaczało ekspansję ról sekcji rytmicznej. W Bebop gracze sekcji rytmicznej nie byli już po prostu w czasie, ale wchodzili w interakcje z solistą i dodali własne ozdoby.

Nonsensowne sylaby

Termin „bebop” to onomatopeiczne odniesienie do akcentowanych melodycznych linii muzycznych. Czasami skrócona do „BOP” nazwa najprawdopodobniej nadano muzyce stylowej z mocą wsteczną, ponieważ sami muzycy często nazywali swój styl po prostu „nowoczesnym jazzem."

Ważni muzycy Bebop:

• Charlie Parker - saksofonista Alto Charlie Parker grał w wielu zespołach Swing jako młody muzyk, w tym w Jay McShann i Earl Hines. Po tym, jak perkusista Jo Jones rzucił w niego talerz za źle granie, Parker zaczął ćwiczyć obsesyjnie. Styl, który opracował połączony liryzm z niezrównanym dowództwem harmonii i techniki. Wkrótce był często naśladowany przez muzyków w latach 40. i do dziś muzycy jazzowi studiują swoje podejście. Wiele jego kompozycji jest uważane za standardy jazzowe, w tym „potwierdzenie”, „Moose the Mooche” i „Billie's Bounce."
• Dizzy Gillespie - Trębacz Dizzy Gillespie oddychał nowe życie w trąbkę. Pod wpływem Roya Eldridge'a, Gillespie, podniósł granice instrumentu, grając szybko i zwinne melodyczne linie we wszystkich rejestrach. Wspólnie z Charliem Parkerem Gillespie przypisuje się definiowanie Bebop.
• Thelonious Monk - pod silnym wpływem stylów fortepianowych Harlem Stride Piano. Johnson and Fats Waller, pianista Thelonious Monk, pomógł rozwinąć Bebop w Playhouse Minton, w klubie Harlemu, w którym muzycy w latach 40. przetestowali swoje improwizacyjne eksperymenty. Dziwaczne i wyjątkowe harmonie Monka zerwały z konwencji i przekroczyły granice jazzu. Jego kompozycje, takie jak „Blue Monk”, „Epistrophy” i „In Walked Bud”, reprezentują dziś dużą część standardów jazzowych.
• Max Roach - perkusista, który pracował z praktycznie wszystkich najlepszych muzyków jazzowych w latach 40. XX wieku, Max Roach jest odpowiedzialny za opracowanie podejścia Bebop do perkusji. Podczas gry z Charliem Parkerem, Dizzy Gillespie i Miles Davis Roach przeniósł ostrość z bębna basowego na Cymbal na przejażdżkę jako główny element z zestawu perkusyjnego. Pozwoliło to na bardziej wolny i bardziej elastyczny dźwięk, dając solistyczne miejsce na eksperymentowanie z rytmem i pozwalając na interakcję z perkusistą z solistą.