Jak mark wpływa na twoje obrazy?

Podczas eksploracji malarstwa możesz usłyszeć profesorów sztuki, instruktorów malarstwa lub autorzy książki mówią o „mark.„Chociaż może się to wydawać złożonym, filozoficznym terminem używanym przez artystów, jest to w rzeczywistości dość proste. 

Za każdym razem, gdy pędzel uderza na płótnie lub ołówek, robi linię, robisz znak. Jest to podstawowy element tworzenia dowolnego rodzaju sztuki i tak zaczynamy wyrażać emocje, ruch i inne koncepcje, które chcemy przekazać w dzieła sztuki.

Co robi Mark?

Making Mark to termin używany do opisania różnych wierszy, wzorów i tekstur, które tworzymy w dziele sztuki. Dotyczy dowolnego materiału artystycznego na dowolnej powierzchni, nie tylko malowania na płótnie lub ołówku na papierze. Kropka wykonana z ołówka, linia utworzona z długopisem, wir pomalowany pędzlem, są to wszystkie rodzaje tworzenia znaków.

Tworzenie znaków może być luźne i gestowe lub ustrukturyzowane i kontrolowane, takie jak wylęganie. Większość artystów pracuje z różnymi śladami na każdym obrazie, ale istnieją pewne style, takie jak Pointilism, w których używany jest tylko jeden rodzaj znaku.

Łatwo jest myśleć o znaku jako elemencie konstrukcyjnym dla wszystkiego, co zdecydujesz się stworzyć:

• Pojedynczy znak tworzy kropka.
• Rozszerzony znak staje się linia.
• Klaster znaków staje się kształt.
• Seria powtarzających się znaków staje się wzór.

Znaki mogą być również rozpryskiwaniem i kroplami, jak widać w pracy Jacksona Pollocka lub mogą być zadrapani w glazurze garncarstwa. Streszczenie, realista, impresjonistów i każdy inny styl artystów.

Jak stosowane są znaki w malarstwie?

Znaki nie są używane tylko do tworzenia zdjęć, które tworzą artyści, są również używane do dodawania ekspresji do pracy. Niektóre znaki mogą wyrażać ruch, podczas gdy inne wyrażają stabilność i siłę. Artyści mogą używać cięć jako znaków, aby wyrażać gniew lub krzywe jako znaki, aby wyrazić spokój lub spokój.

Znaki mogą być opisowe, ekspresyjne, koncepcyjne lub symboliczne. Mogą być odważne i wyraźnie określać zamiar lub mogą być tak subtelne, że koncepcja jest postrzegana tylko przez podświadomość widza.

Podczas nauki sztuki zauważysz, że artyści często rozwijają styl oparty na ich charakterystycznych znakach. Zarówno Pablo Picasso, jak i Wassily Kandinsky używali linii ciągłych i wyraźnych kształtów w większości swoich dzieł sztuki. Jednak pomimo faktu, że używali tego samego stylu znaku, dwaj artyści mają wyraźnie różne style. Nawet ich obrazy, które mają większy przepływ i mniej wpływu kubistycznego, zawierają ich wyraźne znaki.

Vincent Van Gogh ma jedno z najbardziej odrębnych znaków w świecie sztuki. Możesz to zobaczyć w obrazach takich jak "Gwieździsta noc" (1889), który jest wypełniony wirującymi pociągnięciami pędzla, które stały się podpisem dla jego stylu. W pracach jak "Sypialnia" (1889), znaki mają mniej krzywej, ale każdy skok pędzel jest nadal wyraźny i możemy je rozpoznać jako Van Gogh.

Henri Matisse to kolejny malarz z wyraźnymi znakami i niemal natychmiast rozpoznawalnym stylem. Jeśli zobaczysz obraz z mieszanym, ale prawie plamistym kolorem, wyraźnymi cieniami i atrakcjami oraz liniami o wyrafinowanym szkicowym wyglądzie, może to być po prostu matisse.

Chodzi o to, że każdy artysta używa śladów, a im więcej malujesz, tym bardziej rozwijasz styl marki. Dość często czujesz się najbardziej komfortowo i najczęściej ćwiczysz. Z czasem udoskonalisz swoje znaki - cokolwiek by się nie stanie - i wkrótce opracujesz styl oparty na wyznaczonych znakach.