Postępuj zgodnie z podstawowymi zasadami i zasadami, aby tworzyć wielką sztukę

Dla zwykłego obserwatora świat sztuki może wydawać się niedostępny.

Patrząc na obraz, oglądając balet lub słysząc klasyczny koncert, entuzjaści opinii publicznej i sztuki będą miały emocjonalną reakcję, ale mogą nie zrozumieć, w jaki sposób te dzieła zostały stworzone.

Wiele osób uważa, że ​​talent, szczęście i geniusz są odpowiedzialne za wprowadzenie wysokiej sztuki w bycie. Chociaż zdecydowanie odgrywają rolę, nie są całą historią. Choć może być niezauważone przez mniej wyszkolone oczy, wszystkie sztuki są oparte na wspólnym fundamencie: Zasady projektowania, które różnią się w zależności od dyscypliny.

Tancerze uczą się występować na czas z innymi wykonawcami, aby poruszali się jako jedna jednostka. Malarze i inni artyści wizualni uczą się manipulować elementami perspektywy, kompozycji i użycia światła lub cienia.

Muzycy klasyczni badają zasady harmonii i formy muzycznej; Uczą się, jak osiągnąć dobrą intonację i poruszać swoje ciała w sposób, który tworzy pożądany dźwięk.

Solidne zrozumienie podstawowych zasad projektowania twojego rzemiosła jest niezbędne do rozwinięcia się w wyrafinowaną, dojrzałą artystę. Muzyka Bacha i Beethovena nie istniałaby bez całkowitego opanowania zasad harmonii; Monet i Vermeer nie byliby obchodzone, gdyby nie ich pełna kontrola perspektywy i użycie światła w ich obrazach.

W każdej dyscyplinie artystycznej znajomość i szacunek dla podstawowych zasad tematu są zaszczepione z najwcześniejszych poziomów i są stale wykorzystywane jako podstawa do budowania bardziej zaawansowanych poziomów mistrzostwa.

Zarówno studenci, jak i specjaliści wykorzystują te podstawowe filozofie do codziennego informowania o swojej pracy, nawet na najwyższych etapach kariery.

W różnych formach sztuki większość z tych zasad odnosi się do technicznych aspektów tego, jak należy wykonać określony ruch lub pociąg pędzla, lub gdzie umieścić konkretny temat lub notatkę, a nie z koncepcjami estetycznymi.

Zatem łatwo jest je zobaczyć w sztywny sposób, a nie jako ramy wspierające. Jednak, gdy awansujesz do swojego rzemiosła, widzisz, że każdy artysta ma swoją własną interpretację zasad; To pozwala każdemu dzieł sztuki i każdy artysta różni się od drugiego.

Opanowując obawy techniczne i nieustannie udoskonalając technikę, nauczysz się manipulować zasadami na swój własny sposób. Bach, Beethoven i wszyscy wielcy mistrzowie udoskonalili, a następnie wygięli zasady; W ten sposób staniesz się także wyjątkowym, niezapomnianym artystą.

Sztuki wizualne, takie jak rysunek, może być szczególnie trudne, ponieważ musisz reprezentować trójwymiarowe elementy na dwuwymiarowej powierzchni. Ale, przestrzegając pewnych zasad, nawet jako początkujący, pomoże twojej sztuce być przekonującym i wyrazistym z mniejszą frustracją i wysiłkiem. Rzućmy okiem na niektóre z podstawowych technik projektowania, które są niezbędne dla każdego, kto rysuje.

Kompozycja
Kompozycja jest układem wszystkich elementów na rysunku. Kształt, linia, kolor, ton i przestrzeń są częścią tego.

Zanim zaczniesz rysować, najlepiej zrobić wstępne szkice i zaplanować, co chcesz narysować. Gdy to zrobisz, pierwszą rzeczą, o której będziesz musiał pomyśleć o swoim rysunku, jest kształt. Od samego początku musisz ustalić ogólny duży kształt (kontury) dla całego rysunku.

Powinieneś zacząć pracować nad mniejszymi kształtami poszczególnych obiektów po tym, jak będziesz zadowolony, że przekazałeś żądany kontur. Próba narysowania mniejszych kształtów najpierw doprowadzi do frustracji; Twoja praca brakuje definicji i nie będzie tak przekonująca, jak to tylko możliwe. Innymi słowy, zignoruj ​​szczegóły, dopóki nie uzyskasz podstaw podstaw!

Linia to sposób, w jaki prowadzisz widza przez swój obraz. Linie poziome, takie jak te w rysunkach krajobrazowych, zwykle przekazują spokojne uczucie; Linie ukośne mogą dodać napięcia. Ogólnie rzecz biorąc, krzywe dają znacznie bardziej naturalny, przyjemny charakter niż linie proste; Dają też Twojemu utworowi dobre poczucie ruchu, więc wygląda bardziej realistycznie.

Kolor oczywiście zajmuje się tym, jakie kolory używasz w swojej palecie. Chodzi również o intensywność-musisz dokonać wyboru, jak nasycony (żywy) lub subtelny chcesz, aby kolory były, i czy chcesz ich użyć, aby wyrazić ideę światła lub ciemnego.

Ton, zwany także cieniowaniem lub „wartością”, jest bezpośrednio związany z kolorem. Możesz użyć cieniowania, aby tworzyć cienie w swojej pracy (na przykład cienie stworzone przez słońce w krajobrazie). To pozwoli, aby Twoja praca wydawała się trójwymiarowa i zapewni widzowi poczucie głębokości.

Aby Twoja sztuka działała, musisz również rozważyć wykorzystanie przestrzeni.

Pomyśl o tym, ile miejsca chciałbyś między elementami na rysunku (znanym jako przestrzeń negatywna), a ile przestrzeni chcesz, aby obiekty na rysunku wypełniały (pozytywna przestrzeń). Będzie to różnić się w zależności od tego, jaki rodzaj rysowania robisz.

W sztuce zachodniej przestrzeń negatywna jest często wypełniona kolorem, a nawet cieniowaniem, ale niektóre sztuki azjatyckie pozostawia pustą, białą przestrzeń papieru wokół centralnego obiektu; To może być również bardzo skuteczne.

Jedna rzecz do zapamiętania, nie umieszczaj takiej samej negatywnej przestrzeni między każdym elementem w swoim utworze-aby rzeczy były interesujące, ważne jest, aby zmienić kształt i rozmiar przestrzeni ujemnej.

Równowaga i jedność
Równowaga i jedność są uważane za cechy „dobrej” sztuki konwencjonalnej. Istnieje kilka złotych zasad, wszystkie wypróbowane i przetestowane przez wielkich artystów, których możesz użyć, aby znaleźć równowagę we własnych utworach.

Ale najpierw kilka ogólnych wskazówek, które pomogą ułatwić przestrzeganie złotych zasad. Ważne jest, aby na rysunku istniał główny obszar zainteresowania i skupił się.

Umieść swój najwybitniejszy temat nieco poza środkiem w swojej pracy, aby zapewnić niezły przepływ dla widza, i upewnij się, że jest skierowany w rysunek, a nie na zdjęciu.

Pamiętaj, aby nie wycinać obrazu bezpośrednio na pół, albo pionowo lub poziomo, ponieważ może to wyglądać mniej realistycznie. Jeśli używasz linii horyzontu w swojej pracy, upewnij się, że nie znajduje się jej na środku obrazu-umieść ją albo wysoko lub niski, aby pokazywał więcej „nieba” lub więcej „ziemi”, w zależności od tego, co jesteś rysunek.

A teraz złote zasady. Pierwsza złota zasada jest zasadą trzecie. Złoty średnia lub złoty wskaźnik od wieków kieruje artystami klasycznymi. Stwierdza, że ​​elementy dzieła należy umieścić tak, aby każdy element był w proporcji od 1 do 1.618 (około 3 do 5) w odniesieniu do dowolnego innego elementu. Reguła trzecich jest uproszczona wersja złoty środek.

Podążać za tym, Podziel rysunek na siatkę 3 kolumn i wierszy, wszystkie równe rozmiarze. Umieść swój główny przedmiot i mniejsze obszary zainteresowania w pobliżu jednej z linii na swojej siatce, a jeśli możesz, staraj się umieścić je na skrzyżowaniu rzędów i kolumn siatki. To z łatwością stworzy idealną równowagę na rysunku, ponieważ zmusza cię do uniknięcia umieszczania ważnych elementów w obszarach, które wizualnie przecięłyby kawałek na pół, zatrzymując oczy widza.

Jak zasada trzeciego, Zasada szans opiera się również na liczbach nieparzystych. Aby osiągnąć realistyczny rysunek, powinieneś mieć nieparzystą liczbę przedmiotów w swoim utworze, na przykład 1 lub 3. Jeśli masz tylko jeden główny punkt centralny, Umieść wokół niego parzystą liczbę przedmiotów; W ten sposób skończysz z nieparzystą liczbą elementów w swojej pracy, co na ogół jest przyjemniejsze dla oka. Podobnie jak w przypadku poprzedniej zasady, zasada trzecich pomaga uniknąć cięcia pracy bezpośrednio w centrum.

Aby zjednoczyć swoją pracę, kluczowe jest powtórzenie niektórych elementów. Na przykład możesz wybrać symbol lub motyw i powtórzyć go w niektórych obszarach rysunku, być może w innym kolorze lub w mniejszym rozmiarze. To ustanawia wzór w twoim utworze i pomaga mu zrozumieć widza. Ważne jest jednak, aby nie nadużywać tego, ponieważ chcesz mieć różnorodność swojej pracy.

Perspektywiczny
Perspektywa rozwijająca się jest fundamentalną umiejętnością sztuki i to daje twoją pracę poczucie głębokości i odległości. Podczas rysowania perspektywa utrzymuje, że obiekty są mniejsze, gdy idą w kierunku tła obrazu, podczas gdy większe obiekty znajdują się na pierwszym planie (z przodu) obrazu.

Perspektywa liniowa i powietrzna oba są ważne dla artystów. Perspektywa liniowa można podzielić na 1-punktową, 2-punktową lub 3-punktową perspektywę. 1-punktowa perspektywa jest najprostszym miejscem do rozpoczęcia. Aby go użyć, potrzebujesz tylko widoku i ustalonego punktu.

Jeśli rysujesz kościół, twój widok będzie tym, co zobaczysz przed sobą z prostą głową, a stałym punktem może być wszystko, co wybierzesz, jak posąg przed tobą. Kierujesz oczy widza do posągu poprzez użycie dwóch rzeczy: punkt znikający i linia horyzontu. Punktem zanikającym może być dowolny punkt w oddali, na którą oczy spoczywają naturalnie-w kościele może być punktem na odległej ścianie.

Twój punkt znikający jest włączony do linii horyzontu, która jest długą, płaską poziomą linią nieba (lub ziemi, gdy w pomieszczeniu), która rozciąga. Perspektywa jest dość złożonym narzędziem i przyjmuje wiele różnych form, ale są to podstawy ustanowienia perspektywy jednopunktowej, co daje wymiar i naturalny wygląd twojej pracy.

Zasadnicze elementy rysunku kompozycji, równowagi, jedności i perspektywy znajdują się we wszystkich formach sztuki. Chociaż tancerze i muzycy będą mieli różne definicje i podejście do tych elementów niż artyści wizualne, stanowią wspólny rdzeń między wszystkimi dyscyplinami artystycznymi.

Niezależnie od twojego dziedziny, przestrzeganie tych podstawowych zasad zapewni, że Twoja praca jest profesjonalna, a nie amatorska, a twoje utwory wyrażają twoją osobowość i wyraźnie przekazuje Twoją wiadomość odbiorcom.